expresion artistica

la pintura

La pintura es una de las expresiones artísticas más antiguas y una de las siete bellas artes. En estetica o teoria del arte, la pintura está considerada como una categoría universal que comprende todas las creaciones artísticas hechas sobre superficies. Una categoría aplicable a cualquier técnica o tipo de soporte físico o material, incluidos los soportes o las técnicas efímeras así como los soportes o las técnicas digitales.

las 5 pinturas mas conocidas

mona lisa

La Mona Lisa es una pintura al óleo del artista, inventor y escritor italiano Leonardo da Vinci. Probablemente terminada en 1506, la pieza presenta un retrato de una mujer sentada frente a un paisaje imaginario. Representada de manera similar a las representaciones renacentistas de la Virgen María, la pieza presenta una figura femenina, que la mayoría cree que es Lisa Gherardini, la esposa del comerciante de telas y seda Francesco Giocondo, de cintura para arriba. Se la muestra sentada en una logia o en una habitación con al menos un lado abierto. Detrás de ella hay un paisaje nebuloso y aparentemente aislado imaginado por el artista y pintado con sfumato, una técnica que da como resultado formas “sin líneas ni bordes, a modo de humo o más allá del plano de enfoque”. Su mirada es otra parte fascinante de la composición. Muchos creen que sus ojos te siguen a través de la habitación, lo que la convierte en una participante activa cuando se la ve, en lugar de permanecer como un objeto para mirar. Además de su apariencia misteriosa, su expresión ha resonado con más fuerza entre los historiadores del arte por su posible simbolismo, ya que muchos creen que es una inteligente “representación visual de la idea de felicidad sugerida por la palabra ‘gioconda’ en italiano”.

Una de las razones más populares del atractivo mundial de la Mona Lisa es su sonrisa. Da Vinci usó la ilusión óptica para crear una sonrisa única a través del trabajo de perspectiva y sombras. Da Vinci pintó la Mona Lisa de tal manera que los ojos de la Mona Lisa caen directamente en el foco del espectador, mientras que los labios caen justo debajo de la periferia de la visión La expresión facial le da a la imagen una cualidad desconcertante y hace que el espectador se pregunte qué pensó modelo, quién era y por qué parece feliz y triste para algunos.

guarnica

El Guernica es una pintura de grandes dimensiones que el artista español Pablo Picasso pintó para el Pabellón de la República española en la Exposición internacional de París de 1937.

A principios de ese año, el director general de Bellas Artes de la Segunda República española, Josep Renau, comisionó la obra para la exposición. Picasso dudó durante un tiempo sobre el tema que debía tratar esa obra hasta que los bombardeos de la ciudad vasca de Gernika en el marco de la Guerra civil española, el 26 de abril de 1937, lo decidieron trabajar con ese tema. Al hacerlo, el artista dio relevancia de hecho histórico a un acontecimiento del presente. Sin embargo, no hay en la obra referencias específicas a ese bombardeo. De ese modo, la pintura se transformó en un alegato genérico contra la guerra y en un símbolo político de la violencia contra la población civil.

Picasso realizó la pintura, además de numerosos estudios y bocetos en muy poco tiempo, entre mayo y junio de ese año. Todo el proceso fue documentado por la fotógrafa Dora Maar, que era su pareja de ese momento. Por lo tanto, es una de las obras más documentadas de la historia del arte.

Características del Guernica

Entre las características del Guernica, se pueden mencionar las siguientes.

• La pintura fue concebida como un mural que se integrara a la arquitectura del pabellón y a las demás obras exhibidas.
• El proceso creativo fue muy dinámico. Además de la gran cantidad de estudios y bocetos previos, Picasso realizó numerosos cambios sobre la tela a medida que avanzaba en la pintura. Esos cambios fueron documentados por las fotografías de Dora Maar, así como por los estudios realizados en los últimos años por el museo Reina Sofía.
• La pintura se constituyó en un símbolo de la Guerra civil española y en un ícono de los reclamos por la paz en distintos conflictos. Sobre todo, a
• partir del uso de su imagen en las protestas contra la Guerra de Vietnam en los Estados Unidos de América.
• Además del valor simbólico, el Guernica, tiene un extraordinario valor artístico por su lenguaje pictórico novedoso que cerró el ciclo de las vanguardias del siglo XX e inició los numerosos debates que caracterizaron la escena del arte a partir de la década de 1940.
• Se han realizado numerosas apropiaciones y réplicas del cuadro, desde las anónimas en murales de distintas ciudades del mundo, hasta las autorizadas por el mismo Picasso que permitieron que la imagen fuera reconocida a nivel mundial. La más famosa es tal vez la realizada como tapiz para Nelson Rockefeller en la década de 1950. 
• 

la noche estrellada 

La noche estrellada es una de las pinturas más famosas del arte occidental; algunas de sus características principales son las siguientes:

• Es un paisaje que ejerce una atracción especial sobre los espectadores. A causa de esto, existen numerosas interpretaciones de su significado o del mensaje que el artista quiso transmitir. La mayor parte de ellas son hipótesis sin sustento real. Sin embargo, esa capacidad de generar distintas lecturas es uno de los atributos que la convierten en una obra maestra.
• Si bien van Gogh mencionó que había pintado el cuadro motivado por la emoción que le provocaba el paisaje que veía por la ventana de su cuarto en el asilo, en realidad no tomó como modelo un paisaje real, sino que construyó un lugar ideal al ubicar en el lienzo elementos de distintos momentos y lugares, por ejemplo:
  • En el cielo se ve la constelación de Aries, el planeta Venus y la Luna en cuarto creciente. Esta es una combinación de astros imposible para el momento en que fue pintada la obra.
  • Desde las ventanas del asilo de Saint-Paul, no se ve el pueblo de Saint-Rémy. La vista que Vincent representó está tomada, simplificada, desde la cima de una colina que recorría en las caminatas que le permitían realizar.
  • El ciprés del primer plano estaba mucho más lejos de la ventana en el paisaje real.
  • La aguja de la iglesia no se parece a la de la iglesia de Saint-Rémy sino a las de iglesias protestantes de los Países Bajos que él había conocido en su infancia y juventud.
• La intención de van Gogh, por lo tanto, no fue pintar un paisaje real, sino transmitir un sentimiento y provocar en el espectador una emoción similar a la que él sentía frente a ese paisaje.
• La pintura parece representar el momento de la noche, justo antes del amanecer, en el que la niebla comienza a levantarse sobre las colinas. Aquí el artista la habría representado a través de la franja blanca ubicada sobre el horizonte.
• Van Gogh coleccionaba estampas japonesas, muy de moda en la época entre los artistas. Éstas, especialmente las de Katsushika Hokusai, fueron una gran influencia en su pintura. Tomó de ellas la construcción de la profundidad mediante superposición de planos de color, la ausencia de sombras, las líneas de contorno para destacar los objetos y las distorsiones en la perspectiva.

Las formas blanquecinas espiraladas del cielo sugieren los dibujos hechos por el astrónomo inglés Lord Rosse en 1850 y reproducidos como grabados en el libro Astronomía popular de Camille Flammarion publicado en 1880 en el que se describen las nebulosas espirales. Van Gogh conocía el libro y se había entrevistado con el autor. Sin embargo, esas nebulosas no se pueden observar a simple vista.  la ul

Leonardo creó una escena con una composición sencilla, pero sumamente compleja en su concepción.

La última cena muestra una habitación alargada con tres ventanas en el fondo por las que ingresa la luz. Sobre las paredes, unos tapices, que han perdido casi completamente su motivo, dan ritmo regular al espacio. Leonardo construyó este espacio aplicando la técnica tradicional de la perspectiva matemática con un punto de fuga que se ubica en el centro de la composición, en la cabeza de Jesús.

De manera transversal al espacio se ubica una larga mesa con un mantel blanco, platos, vasos con vino y panes pintados con extraordinario detallismo. La mesa divide el espacio de la pintura, en el que se ubican todos los personajes, del espacio del espectador.

El ilusionismo de la pintura y las proporciones de los elementos que tienen tamaño natural generaban la sensación de que el espacio del comedor real se prolongaba en la pintura. Es decir, incorporaba imaginariamente el espacio pictórico al espacio real.

La luz responde a una compleja estructura. La escena aparece iluminada en parte por la luz que ingresa por las tres ventanas que se encuentran en el fondo. Estas a su vez enmarcan la figura de Jesús y la resaltan por contraluz.

Pero la pared derecha de la habitación de la obra tiene una iluminación diferente, que parece provenir de la ventana real del refectorio que se encuentra a la izquierda y arriba de la pintura. Esto acentúa la sensación ilusionista.

En la representación de los personajes, Leonardo logró combinar unidad y diversidad. Mientras todos los apóstoles reaccionan a la noticia de la traición con un movimiento de incredulidad y espanto, al mismo tiempo, expresan esas emociones con reacciones diferentes vinculadas a la personalidad de cada uno.

La noticia de la traición genera una onda expansiva y actúa como una piedra que cae sobre el agua y provoca un movimiento de ondas concéntricas (Leonardo había estudiado este fenómeno y había observado que ocurría tanto en el agua como en el aire). Ese movimiento, desde el centro hacia los bordes de la pintura, tiene el efecto de dejar la figura de Jesús aislada del resto de los personajes, reforzando su soledad frente al destino que le espera. Por otro lado, algunos autores mencionan una posible alusión en esta disposición de los personajes a la concepción de Dios como primer motor, generador de movimiento, según las teorías filosóficas a las que Leonardo adhería.

Historia de La última cena

La técnica experimental empleada por Leonardo presentó problemas de conservación desde el primer momento. A 20 años de finalizada, la obra ya mostraba rasgos de deterioro. Por ese motivo, desde el siglo XVII sufrió numerosas intervenciones de restauración.

En 1943, durante la Segunda Guerra Mundial, un bombardeo aliado destruyó el techo del refectorio y parte de las paredes dejando la pintura expuesta a la humedad y el humo. Por lo que, durante la década de 1950, se realizaron trabajos que apuntaron sobre todo a la conservación de la pintura.

A partir de 1976 se inició un intenso trabajo de investigación y restauración en la que se eliminó gran parte de las intervenciones anteriores, se documentó cada etapa del proceso y se hizo un relevamiento fotográfico. Los sectores en los que se había perdido la capa pictórica original fueron reintegrados con acuarela. Ese trabajo finalizó en 1999.

En la actualidad, La última cena se puede visitar solo con turno previo y por espacio de 15 minutos para preservarla de agresiones ambientales.

el grito

El grito es una obra del pintor noruego Edvard Munch, cuyo título original es Skrik (Scream en inglés). Debido a su fuerza expresiva, esta pintura es considerada un antecedente del movimiento expresionista. El grito es el cuadro más famoso de Munch, quien realizó diferentes versiones del mismo a lo largo de los años.

 

La versión original y más famosa, terminada en 1893, se encuentra en la Galería Nacional de Oslo, Noruega. Otras dos versiones se encuentran en el Museo Munch de la misma ciudad; y una cuarta, recientemente vendida en subasta a un precio récord, pertenece a una colección privada.

Análisis y significado de la pintura El grito

La pintura El grito se ha convertido en un ícono cultural. Es una de las imágenes más reconocidas del mundo, pues ha sido incorporada a la cultura popular, y ha sido ampliamente parodiada por artistas recientes. Pero ¿Qué representa el cuadro? ¿Cuál es la historia de El grito de Edvard Munch? ¿En qué se inspiró el autor?

¿Qué representa la pintura El grito?

Desde el punto de vista iconográfico, El grito presenta a una figura andrógina en primer plano con un gesto de angustia que transmite gran expresividad y fuerza psicológica.

La escena donde se encuentra es un sendero con vallas que se aleja en perspectiva diagonal. En el fondo, se pueden apreciar dos figuras con sombrero que parecen ajenas a lo que ocurre con la figura principal.

En el cuadro El grito de Munch prevalecen los colores cálidos de fondo. En el cielo, fluido y arremolinado, predominan los tonos naranjas. El sendero y el paisaje, por su lado, parecen iluminados por una luz semioscura. Las formas se retuercen y los colores están dispuestos de una manera arbitraria.

Antes que trasponer la realidad, los colores buscan expresar un sentimiento de angustia y desesperación, más vivamente reflejada en la figura de primer plano, en la intensidad de su gesto de tribulación y espanto.

El tema del ritmo y la vibración es muy importante en este lienzo. Algunos sostienen que el mayor logro atribuido de la obra es la manera en que Muncho captó la dimensión del sonido mediante el ritmo visual.